摄影的尊严
2007-2-22 9:47:29 徐希景 

    在摄影问世以来的160多年里，人们对摄影的纪实与艺术功能谁为主流一直争论不休，今年8月23日，鲍昆在《中国摄影报》上发表的《从“美”的误区里走出来》一文又再一次引发了什么是摄影的本质属性，什么是摄影的主流，摄影与绘画的关系等问题的争论。在今天摄影无处不在、人人皆可拍照、影像泛滥、数字技术又来势迅猛的时代，对这些问题的探讨显得尤其必要。我想通过这些争论，通过有关问题的梳理，纠正一些人普遍存在的错误认识。本文把摄影放在摄影的历史发展、摄影所发挥的社会历史价值、摄影在艺术史上的贡献的坐标系中来探讨什么是有价值的影像?什么样的影像奠定了摄影之所以为摄影的尊严和地位?什么样的影像是值得我们追求的?本文从纯粹摄影———尊重摄影媒介的本体特性、社会纪实和报道摄影———发挥摄影的社会历史价值、现代主义和后现代主义摄影创作———拓宽了摄影艺术的表现手段、数字技术背景下对摄影的思考四个方面来探讨。
　　一、纯粹摄影———尊重摄影媒介的本体特性
　　“任何一种艺术，如果他自觉地或不自觉地模仿其他艺术的话，那它就是否定了自己作为一种艺术的价值。摄影家如果用摄影器材去生产别人用颜料或雕刻工艺已经生产过的东西，那它就是把自己降于劣等地位，他的艺术作品(如果可以叫做艺术作品的话)也就是劣等的。”“如果把一张照片弄得像油画、版画或蚀刻画，那是对摄影这种严肃手段的践踏。”[1] 
　　本·克莱门茨和大卫·罗森菲尔德的这段话可以说是对历史上摄影与绘画纠缠不清的关系做出了令人信服的结论。摄影术虽然由富有科学探索精神的人和画家所发明，但是，摄影提供了一种不同于绘画的———基于直觉的观看世界的方式，提供了一种全新的———基于选择、而不是合成的制作图片的方法。在摄影发明伊始，早期的摄影家并不是都能“按照摄影的方式看待摄影”(爱德华·韦斯顿语)，按照摄影本身的规律来创作，相反，他们为了使摄影跻身于高雅艺术之林，使摄影获得与传统的绘画等其他艺术样式同等受尊重的地位，把摄影要仅次于绘画作为奋斗目标，努力去模仿文艺复兴时期的新古典主义油画，作品从构思、体裁到构图都是文艺复兴时期油画的翻版。O·G·雷兰德的《人生的两条道路》 (1857年)、H·P·罗宾森的《弥留之际》 (1858年)、 《秋》 (1864年)等利用模特儿、道具，组织和安排场面，然后通过暗房加工合成，努力使照片接近绘画效果，这也是后来沙龙摄影的滥觞。
　　19世纪70年代以后，以绘画方式进行创作的高艺术摄影流派逐渐走下艺术神圣的殿堂，摄影家已很少采用拼贴、叠合等方式产生类似绘画的效果，而是通过直接的拍摄或采用特殊工艺的制作手法，产生画意的效果。比如为了消除和避免画面中不必要的细节，有的摄影家采用针孔照相机或柔焦镜头拍摄，或者干脆在拍摄时轻微摇动三脚架，使画面产生轻微的模糊、柔化效果。这一流派的摄影家还喜欢用铂盐印相法、碳素印相法、油彩转化法等特殊工艺使画面产生某种绘画样式(如版画、素描、油画等)的画意效果。就美学趣味而言，自然主义摄影、印象派摄影和摄影分裂主义等，都属于画意摄影流派。画意摄影的目标是给人以美的视觉愉悦和满足，以摄影手段制造出理想的“画意”世界。
　　早期摄影家在创作时，没有现成的范式和标准可以遵循，于是许多人向当时已经很成熟的艺术形式———绘画借鉴，把摄影从简单、机械地摹写对象引导到造型艺术的领域中去，有其历史功绩。但是，这种只注重表面效果的“摄画”作品，严重偏离了摄影媒介的真实特性，偏离了摄影的价值，耽误了后人对摄影所具有的创作潜力的发现和运用，让一代又一代的无数摄影者误入歧途。
　　画意摄影在19世纪末20世纪初的欧洲和美国达到顶峰，也成为一个国际性潮流，在摄影艺术创作中处于主导地位。但是，也有一些先知先觉者开始意识到画意摄影题材陈旧且内容空洞，使摄影沦为了学院派绘画的奴隶，开始提倡摄影的自然主义。英国的彼得·亨利·爱默森提出“自然是艺术的开始和终结，只有接近自然，酷似自然的作品，才是最高的艺术。”1889年他还发表了一篇题为《自然主义摄影》的论文，提出摄影对世界应该有自己的观察，有自己的语言，鲜明地指出摄影不应依附于绘画艺术，应该成为一门独立的伟大艺术。该派另一位大师A·R·帕邱也强调摄影艺术必须依靠摄影自身特性，认为摄影的审美价值隐藏在自身的特性里，只有充分发挥摄影的自身特性才能创造出美。爱默森等人为绘画派摄影引入了现代造型意识，引发了后世对摄影本性的探索，也极大地影响了斯蒂格利茨等人的美学观点。
　　美国摄影家阿尔弗雷德·斯蒂格利茨等人继承和发展了自然主义摄影理论中的某些合理的部分———主张摄影艺术应该弘扬自身的特质和性能，抛弃绘画的影响，提倡用纯粹的摄影技术去求得摄影所特有的审美效果。在摄影史上有着承前启后的重要地位，被誉为现代摄影之父。斯蒂格利茨早年留学欧洲，早期也崇尚画意摄影， 在其所创办的《摄影作品》的1903年第三期中的“摄影分裂派”的宣言中说，其目标是“促进作为一种用于绘画表现的摄影的发展，团结那些在此艺术方面实践与其他对此有兴趣的美国人，并且在各种场合经常举办展览会，而且不必局限于摄影分裂派的创作或美国人的作品”。但是后来他对摄影的认识不断地发生变化，认识到摄影有其自身的表现特性，起而探索摄影的纯粹性，提倡纯粹摄影术，强调摄影不仅在技术手法上，同时也在表达个体的个性意义上，更多地考虑摄影本身的规律和特点，即从美学角度利用摄影的特性，使摄影脱离其他造型艺术的美学指导准则。他所拍摄的《终点站，纽约》 (1892年)、 《冬天的第五大道》 (1893年)、 《三等船舱》 (1907年)等一系列表现现代社会生活场景的作品一反当时画意摄影矫揉造作、脱离现实的倾向，透露出在19世纪画意摄影中完全看不到的新鲜气息。