1949年，一个10多岁的年轻人拍摄了他姐姐的画面，这位年轻人就是维克多·斯克雷纳斯基（Victor Skrebneski），他的理由很简单：他刚刚接触摄影，他姐姐就在面前，而且他知道她很漂亮。他将焦点清晰地对准在她的脸上，将她的特征留在了胶片上。在构图时，他不仅注意到了他姐姐脸部的美丽轮廓，更重要的是，就在按下快门的那一瞬间，他注意到了凝视的眼神发生了飘忽的转移。这样的画面既是飘忽不定，又是真实的，整个画面的姿态构成了极端的印象。就在那一瞬间，斯克雷纳斯基懂得了如何定义一张脸，并且使其变得不可替代：这就是对瞬间的选择。

在以后的60年时间里，斯克雷纳斯基将其体验延伸到了极致。在他具有重要意义的芝加哥的工作室里，进进出出了许多名人和即将成为名人的人物，记录了非凡的天才印记和美丽的足迹。斯克雷纳斯基还是时装摄影界的领军人物，世界一流的客户都和他有过合作。

在50年代和60年代，斯克雷纳斯基的工作越来越忙，为他第一个代理商拍摄了大量的图像，结识了许多世界一流的设计师和模特儿，包括看到了辛迪·克劳馥德成长为超级明星的过程，甚至一些无名的个体也从这里进入了时尚的世界。在拍摄时尚画面的同时，也拍摄了大量的肖像。

在70年代早期，斯克雷纳斯基所拍摄的名人，每一个都是身穿宽松的黑色套领毛衣。这些肖像与流行的色彩艳丽的时尚画面大相径庭，但是却和这十年间盛行的极简主义者的趋势相吻合。他排除了所有的道具，使用强硬的光线，从而以最基本的元素构成了戏剧化的效果，也使他的作品以强烈的个性化特征形成了固有的风格，套领毛衣也成为他的标志之一。你可以从套领毛衣以外的人物脸部空间中，马上被吸引到了个性迥异的人物特征，比如维勒斯带有皱纹的眉毛，明勒丽沉思的嘴，戴维斯冷漠的手势以及香烟飘出的烟雾，以及卡波特的双手优美地盘旋在身体的两侧。

在细腻豪华的灰色阶调、天鹅绒般的黑色、以及精确的白色之间，斯克雷纳斯基的主题使模糊的空间变得锐利，从而揭示出一种个人化的东西，包括摄影师本身的个性。当然，每一幅肖像都是摄影师和被摄者的合作过程，但是一幅摄影肖像却是一个非常特别的瞬间纪实过程。肖像往往揭示了信息，不管是素描、绘画，还是摄影，总是在视觉和直觉之间的某个交点上。加上它们与现实本身微妙的相关性，摄影图像所带来的复杂性和丰富性，往往是其他视觉纪实方式所不具备的。也许没有人会怀疑摄影的真实性，而其他画意方式则会显得相对弱一些。这样一种由摄影带来的认识，具有一种负面的成分：这是一种人工的安排，而非来自生活本身。在摄影中，记忆、场景、时间继续被反复地利用，使一种新的意识浮现。

斯克雷纳斯基总是善于把握摄影所提供的这样的机遇，在其中不断地揭示记忆、场景和时间。最重要的是，像许多艺术家一样，他在探索的过程中达到了确定无疑的永恒感。斯克雷纳斯基找到了一种不间断地揭示记忆的方式，一种作为大师级艺术家所具有的激情，在他的工作室中以不断的努力创造产品，甚至找到了进入幻觉的概念性空间。

斯克雷纳斯基最早的真实的视觉记忆之一，就发生在他的父亲送他去学校的路上。父亲裤子上的各种皱纹、折叠的痕迹以及宽松的裤腿中究竟隐藏着怎样的一条腿，是他一直感兴趣的部分。毫无疑问，这样一种织物的肌理结构影响了他以后的时装摄影，但是对于斯克雷纳斯基来说，运动才是动机的关注重点。

他从许多著名的艺术家，包括画家和雕塑家那里得到了运动的启示，他从英国画家弗朗西斯·巴肯那里不断地获得创作的灵感，创作出“噩梦般的快照”。他自己说：瞬间以及下一个瞬间——这是完美的体验。是作为摄影的体验。

随着他自己职业生涯的发展，到了80年代，斯克雷纳斯基开始在工作室里拍摄抓拍的图像，或者是带有暗示性的画面，当然也包括运动。妖艳多姿的运动，雕塑般的躯体，最终成双成对地组合在《城市之光》的景观中，以及后来的代表作《艾菲尔铁塔》。观念的重复和偶合，实际上已经出现在他早期的全部作品中，并且得到了浓缩和延伸：真实的和抽象的，一个瞬间接着下一个瞬间。这些作品以其本身所传递的时间流程而具有力量感，不管是写实的还是抽象的。但是斯克雷纳斯基同样感兴趣的是，这些不确定的瞬间之间的视觉交流，也许这才是一种真正完美的摄影体验，他也知道他无法换一种媒体去完成这样的过程——这就是胶片的魅力。

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